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Los reyes, a veces, son magos… 9 enero 2017

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Bueno, se acabó lo que se daba… Mis vacaciones navideñas han tocado a su fin. Ha habido su parte buena y su parte mala, muy mala… Pero como todo en esta vida, nada dura cien años, por lo que tenemos que apretar los dientes y seguir adelante contra viento, marea y adversidades varias.

Así que os voy a comentar que, como creo que me he portado bien durante el año (bueno, más o menos bien…) los reyes me han traído un cedé. Más concretamente este cedé:

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Mi reina maga, es decir, mi queridísima hermana, ha querido endulzarme unas agridulces navidades con este recopilatorio de treinta canciones (una por cada año de historia musical) del grupo gallego “Luar na lubre“, algunas de ellas como nuevas versiones de canciones antíguas, recopiladas en dos cedés.

“Luar na lubre” está en la “cola de impresión” de este blog, como muchos otros artistas que intentaré publicar antes que el cansancio y la edad (estamos ya un poco maduritos…) nos impida seguir publicando entradas.

Vamos a comenzar con la que abre el primer cedé, la canción que les dió a conocer en el mundo entero gracias a que un artistazo se fijó en ellos en 1.992. No voy a decir nada más, sólo escuchad:

Efectivamente, el “artistazo” que hizo que les descubriéramos no era otro que el gran Mike Oldfield, ante quien tocaron en un concierto privado sólo para Mike que cristalizó en varias colaboraciones, como en esta versión de “O son do ar” (La canción del Sol) que abria su disco “Voyager”, un álbum temático de inspiración céltica del que hablaremos un día largo y tendido…

Vamos a continuar con el segundo tema del primer cedé, una versión renovada de “Fonte do Araño”, una canción basada en una composición del arpista gallego “Emilio Cao“, del que hablamos al principio de la existencia de este blog, allá por los últimos meses de 2.009:

Supongo que habréis adivinado que la voz que se escuchaba en esta canción no es la de Emilio, sino la del cantautor madrileño Ismael Serrano

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que se prestó a colaborar desinteresadamente para la ocasión.

Continuaremos en las siguientes entradas…

Feliz Solsticio de Invierno 24 diciembre 2016

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En estas fechas tan entrañables…

¡Joer! Casi me habréis confundido con “su ex-majestad” y su discursito anual…

Pues no, aunque no puedo disimular que el “espíritu de la Navidad” ha invadido musicalmenteincorrecto, puesto que hemos empezado con un “villancico”, en este caso del grupo norteamericano de punk-rock “Bad Religion“. Ya me conocéis, soy iconoclasta al 100%…

Como estos últimos años, Carlos Núñez vuelve a casa por Navidad. En esta ocasión, la excusa perfecta para repetir día y lugar, es decir, 30 de diciembre a las 21 horas en el “Palau de la Música” de Barcelona, es el 20 aniversario de la publicación de su primer disco, “A irmandade das estrelas“, del que hablamos en este mismo blog a finales del mes de abril de este mismo año, tal y como nos anunció el propio Carlos el año pasado:

Actuará arropado por varios músicos, entre ellos el grupo de percusionistas “Coetus“, la francesa Aurore Vizentini, la navarra Itsaso Elizagoien y su trikitixa, las pandereteiras gallegas del grupo Lilaina y el grupo gallego Gelria.

Espero que no os lo perdáis…

Recordaros que también podréis verle el día 26 en el “Teatro Jofre” de Ferrol, el día 27 en el “Teatro Apolo” de Miranda de Ebro, el día 28 en el “Teatro Olimpia” de Huesca, el 29 en el “Auditori” de Girona, el 7 de enero en el “Teatro El Espinar” de Segovia y el 13 de enero, cerrando la gira, en el “Teatro Price” de Madrid.

Vamos a terminar igual que comenzamos, con un villancico musicalmenteincorrecto, en este caso a ritmo de cajún, cantado por todo un flamante Premio Nobel… A ver si lo adivináis, váis a flipar…:

Pues efectivamente, era el señor Dylan, el mismo que no pudo ir a la ceremonia de entrega porque tenía hora en el callista y claro… no podía retrasarlo…

Desearos un muy Feliz Solsticio de Invierno y deciros que, por razones familiares y vacacionales, nos volveremos a ver dentro de dos semanas, después de Reyes…

Hasta entonces, ¡que tengáis unas muy felices fiestas y un Feliz 2.017!

 

Manantial de juventud 20 diciembre 2016

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Uno de los problemas que me estoy encontrando a la hora de publicar entradas sobre Kitaro es que es tan vasto el número de trabajos discográficos del músico japonés, que no sé exactamente si los estoy poniendo en correcto orden cronológico, puesto que mis fuentes de información ponen un año de publicación para un determinado álbum y otras fuentes retrasan o adelantan dicha fecha, por lo que he decidido “poner en cuarentena” o “bajo sospecha” los años de salida a la luz de la mayoría de discos de nuestro querido amigo…

Vamos a suponer que es en 1.981 cuando sale a la luz otra banda sonora, en este caso referente a una exposición que se llamó “Portopia´81” (cuyo tema principal era la conexión a través del mar de los pueblos del mundo y sus culturas) y que tuvo lugar en Port Island,

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una isla artificial junto al puerto de Kobe, en Japón, que se construyó entre 1.966 y 1.981 con las tierras ganadas al mar procedente de las Montañas Rokko,

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junto a la ciudad de Kobe.

Dicha exposición estaba dividida en varios pabellones y fué la empresa “Matsushita” (actual “Panasonic“) la que le hizo el encargo a Kitaro para que pusiese música a su pabellón.

Esa música cristalizó en un mini LP de sólo dos temas, subdivididos en varios más (aunque en los títulos de crédito sólo aparezcan dos) que correspondían a la cara A y B del disco, que llevó por título el de “Spring of Youth/ Earth & Man” (Manantial de juventud/ Tierra y Hombre):

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La cara A, es decir, “Spring of youth/ Earth & Man”, se subdividía en varias partes tituladas como “Prologue”, “Big bang-Planet Formation-Development of civilizations” (El Gran estallido-Formación del planeta-Desarrollo de civilizaciones), “Revival of Oriental philosophy” (Resurgimiento de la filosofía oriental), “Expectations of science-Hymn of youth” ( Esperanzas de ciencia-Himno de juventud) y “Epilogue”.

Sonaba así, con el inconfundible estilo Kitaro al que ya os habréis acostumbrado:

La cara B se titula “Suite 2.025” y estaba subdividida en tres partes: “Solar energy”, “Return” (Regreso) y “Youth” (Juventud) y era aún mejor que la primera:

Estos dos temas serían incluídos como cortes uno (“Suite Noah´s Ark  Part 1”) y dos (“Suite Noah´s Ark  Part 2”) de otro álbum que se acabaría publicando con posterioridad en el año 2.000 con el título de “Noah´s Ark”, del que hablaremos cuando toque…

Silk Road Suite 17 diciembre 2016

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Seguimos en 1.980 y continuamos con otra versión de “Silk Road” (La ruta de la seda). En esta ocasión, en una versión orquestal que lleva por título el de la entrada de hoy: “Silk Road Suite” (La Suite de la ruta de la seda):

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con la inestimable e imprescindible colaboración de la “London Symphony Orchestra“.

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en esta ocasión dirigida por el compositor y director de orquesta londinense Paul Buckmaster.

Fue grabado en octubre de 1.980, publicado ese mismo año y posteriormente reeditado en 1.983, 1.988, 1.990 y 1.996.

Sorpresivamente, el honorable señor Kitaro sólo aparece como colaborador en los créditos, siendo los músicos principales del álbum, además de la “London”, Lyle Harper al bajo, Peter Vanhook a la batería, Terry Murray a la guitarra y Chris Camerton al piano.

La base con la que nos encontramos son los dos discos de la banda sonora de la serie documental, que ya tuvimos ocasión de disfrutar en anteriores entradas, pero en versión orquestal. Los temas que aparecen ya estaban incluídos en su mayoría en aquellos dos álbums, con la excepción de los cortes que vamos a comentar seguidamente.

Comenzamos con “Journey beyond horizon” (Viaje hacia el horizonte), que constituye el tercer corte y que, aunque nos recuerde indefectiblemente a las músicas del japonés, con el estilo de música clásica suena totalmente diferente, tal y como comprobaréis en el siguiente vídeo:

La siguiente maravilla se encuentra en el quinto tema del disco y se titula “Drifting Sand” (algo así como “Arena flotante”), con un instrumento de cuerda antiguo que debe ser un clavecín o algo parecido

clavecinque le da un regusto especial. Escuchad atentamente:

Terminamos el recorrido con el corte número trece, titulado como “Sunset” (Puesta de sol), que es quizá la que más se asemeja al estilo Kitaro puro:

Continuaremos con más versiones de “Silk Road” en la siguiente entrada… Sí, ya sé que os váis a empachar, lo siento…

Seguimos oxigenándonos… 14 diciembre 2016

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Lo que hizo tan diferente al primer “Oxygène”, probablemente es el aspecto minimalista y el hecho de que casi no tiene percusiones, y he buscado seguir ese planteamiento, creando el ritmo en su mayor parte sólo con las secuencias y la estructura de las melodías, a través de una arquitectura de sonidos. Cuando compuse el primer “Oxygène” en los tiempos del vinilo, tuve una estructura en mente de dos partes, ciñéndome a las caras A y B de un álbum. Esta vez he disfrutado haciendo lo mismo: una cara más oscura, otra más brillante. Por eso pienso que, a día de hoy, “Oxygène III” tiene actualmente dos caras… (Jean Michel Jarre).

No es precisamente uno de los mejores cortes del disco, pues podría haberlo compuesto cualquier músico “chill-out” de cualquier época, pero hubiera quedado incompleto si no os ofrezco “Oxygène 18”, que es el que acabáis de escuchar.

Compuse el primer “Oxygène” sobre una grabadora de ocho pistas con muy pocos instrumentos, sin otra opción que ser minimalista. Escogí seguir esta opción para “Oxygène III”. Algunos momentos están construídos sobre uno o dos elementos, como en el primer volúmen (Jean Michel Jarre).

Las similitudes de las que nos habla Jean Michel entre el primer y el tercer “tomo” de la “trilogía oxigenada” son verdaderamente notables, al menos en espíritu, aunque sean trabajos totalmente independientes que se puedan escuchar fácilmente por separado. Este “Oxygène 19” que habéis escuchado, os habrá evocado irremediablemente partes del primer trabajo.

Era importante para mí continuar el concepto artístico para “Oxygène III”, en línea con los dos discos previos. También hace 40 años, descubrí el universo visual de Michel Granger e inmediatamente sentí que era totalmente adecuado para la música que había compuesto. Desde entonces, la carátula se hizo famosa como una señal de aviso ecológico, oscura y surrealista, evocando tanto el espacio exterior como nuestro propio espacio vital: esta imagen, para mí, se ha convertido inseparable de la música (Jean Michel Jarre).

Terminaremos diciendo que vamos a tener la oportunidad de ver a Jean Michel Jarre por tierras españolas el año que viene. Concretamente (a falta de que se anuncien más ciudades) será la comarca cántabra de Liébana, con motivo del comienzo del Año Jubilar Lebaniego la afortunada. Permaneced atent@s al calendario de conciertos del artista francés…

Para terminar, nada mejor que el corte que cierra el disco y la trilogía: “Oxygène 20”, que comienza como si alguien quisiera arrancar una moto encima del órgano de una iglesia, para después rememorar momentáneamente el último corte del primer volúmen de la trilogía. Ya sabéis, el sonido del mar, las gaviotas y todo eso…:

El increíble viaje de “Oxygène” ha llegado muy lejos. Espero seguir avanzando para continuar la historia de “Oxygène” con todos vosotros. Nos vemos en el camino (Jean Michel Jarre).

Oxygène III 11 diciembre 2016

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Me tomé el 40 aniversario de mi primer álbum como fecha límite, a ver si era capaz de componer este nuevo trabajo en seis semanas, igual que había hecho con el primero: probablemente para evitar pensar demasiado en ello, si era una buena idea o no, y también para grabar todo de una sola toma… La idea era no copiar el primer disco, pero mantener el dogma de embarcar a los oyentes en un viaje de principio a fin con diferentes secciones, todas enlazadas con las demás (Jean Michel Jarre).

Acabáis de escuchar “Oxygène 15), es decir, el segundo de los temas instrumentales que componen la tercera parte de la trilogía “Oxygène”, que ya está a la venta en diferentes formatos, a elegir:

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Como en las dos entregas precedentes, lo que nos espera al escucharlo son atmósferas etéreas, universos misteriosos, paisajes oníricos que visitaremos musicalmente con el sello inconfundible del gran músico francés.

Desgraciadamente, uno de los cortes que más me han gustado, “Oxygène 16”, no os lo puedo ofrecer, pero sí que podréis escucharlo si clicáis aquí…en el enlace con “Spotify”.

Pero, por suerte, si que váis a poder disfrutar de lo lindo con el siguiente, “Oxygène 17”, en el que vamos a poder ver a este “chavalito” de 68 añazos, que todavía tiene ganas y fuerzas para subirse a un escenario y darlo todo:

Lo dejamos, de momento, hasta la siguiente entrada, en la que terminaremos el repaso de este gran disco…

Reencontrarse con el pasado 8 diciembre 2016

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No me ha sido posible hasta hoy volver a publicar nuevas entradas, por varios motivos.

En primer lugar, unas merecidas vacaciones para “reencontrarme con mi pasado” a nivel personal, con resultados más que satisfactorios. Lo quiero dejar ahí, sin profundizar más ni daros más pistas, aunque quien me conozca personalmente sabrá de qué estoy hablando…

En segundo lugar, una recaída en mi epicondilitis va a hacer que no sea demasiado prolífico durante un tiempo y tendré que espaciar más la publicación de entradas. Nada grave que no cure unas infiltraciones y unas sesiones de rehabilitación. Cachis…

En este lapso de tiempo, alguien que seguro conocéis, también ha tenido un “reencuentro con su pasado”. Me estoy refiriendo a este señor, al que tanto admiro:

Lo siento, pero está en inglés…

Resulta que el pasado día 2 de diciembre se cumplieron 40 años de la publicación del primer disco de Jean Michel Jarre, del que hablamos hace unos cinco años y pico en este mismo blog, titulado como “Oxygène” (Oxígeno).

Qué mejor manera de celebrarlo que publicar la tercera parte de “Oxygène”

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para cerrar el círculo y establecer una trilogía que, esperemos, no sea el canto del cisne de mi admirado Jean Michel, que ya ha cumplido 68 primaveras, aunque en el vídeo anterior parezca un chavalín…

No me gustan demasiado los aniversarios… Pero cuando grabé “Electrónica”, hace un par de años, compuse una pieza musical (que hoy es “Oxygène 19”) que me hizo pensar sobre cómo hubiera sido “Oxygène” si lo hubiera compuesto a día de hoy (Jean Michel Jarre).

Eso nunca lo sabremos, ya que el enorme despliegue de medios que tiene el músico frances en la actualidad no hubiera compensado la genialidad de grabar su música pista a pista, como hizo con la original, y con aparatejos electrónicos casi prehistóricos comparados con los del siglo XXI, en su casa y no en un estudio de grabación. Demasiadas diferencias, seguro que no hubiera sido la misma maravilla que compuso hace 40 añazos.

Lo cual no quiere decir que “Oxygène 3” pueda decepcionar a ningun@ de sus seguidores/as…, que ya pudieron “probar” en directo en la gira de “Electronica World Tour” de este mismo año.

Vamos a intentar extraer lo mejor de este disco, que comienza con “Oxygène 14”, que suena así:

El resto de sus cortes los iremos descubriendo en la siguiente entrada…

En persona 28 noviembre 2016

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Llegado el momento, tod@s l@s artistas graban un disco en directo, donde ponen a prueba realmente si son tan buenos como en el estudio de grabación. Ante el público, sin red, sin arnés que te sujete si te “caes”, no hay sitio para la equivocación, pues el público lo nota. Eres tú y tu música, sin trampa ni cartón…

Eso decidió Kitaro, quien grabó su disco “In person”

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entre el 16 y el 18 de septiembre de 1.980, en varios conciertos que tuvieron lugar en el “Parco Theatre” de la ciudad de Tokio:

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Publicado ese mismo año, se reeditó (como la mayoría de trabajos del músico japonés) varias veces. Concretamente en 1.982, 1.983, 1.985, 1.991, 1.992, 1.996, 1.997, 2.002 y 2.006.

Respecto a los musicos que le acompañan, decir que Kitaro se ocupa de la mayoría de los sintetizadores y del santur; Yasuo Kojima, del violín, guitarra, percusiones y del  tambur, además de algunos sintetizadores; Ryo Okumoto, del resto de sintetizadores (cacharrerría electrónica por doquier, vamos…) y Jin Sekiguchi, de la batería y las percusiones.

Tan sólo hay dos cortes de los diez que componen el álbum que no han sido previamente registrados en anteriores discos, comenzando por “Prologue”, con el que se abre el álbum, que podréis escuchar si acudís de inmediato al archifamoso “Reproductor de Músicas Posibles” que tenéis a la derecha de vuestra pantalla, un pelín más abajo de estas letras.

Saltamos hasta el noveno corte, titulado como “Four Changes” (Cuatro cambios), que también encontraréis en el “Músicas”. Observad que es una grabación en directo de una gran calidad, ya que parece hecha en estudio.

Para compensar que no he encontrado ningún vídeo en que se viera a Kitaro y sus músicos interpretando en directo, os dejo el disco entero, para que lo escuchéis de cabo a rabo:

Como comprobaréis, se han eliminado los aplausos y los cortes se suceden sin intervalos, sin descansos, como si fuera un disco de estudio más…

Seguiremos con la vida y milagros de Kitaro en la siguiente entrada. Eso será ya la semana que viene, puesto que me cojo unos días de vacaciones. Hasta entonces…

Continuamos por la ruta sedosa… 24 noviembre 2016

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Antes de nada, clicad donde pone “Ver este vídeo en You Tube”:

Acabáis de escuchar “Silver Moon” (Luna plateada), que es como se llama el cuarto corte del segundo volúmen de “Silk Road”, que llevamos recorriendo hace unas cuantas entradas.

Relajante, onírica, su música nos transforma y nos lleva a lugares no hollados por los pies del Hombre. Campanitas y sonidos acuáticos arropan los sintetizadores de Kitaro, inmensos, eternos, de infinita belleza.

Saltamos hasta el sexto tema del álbum, hacia un futuro muy lejano, ya que el nombre del mismo es “40.080 Year” (Año 40.080). Como para entonces ningun@ de nosotr@s estará en pié para verlo, dejemos que nuesto amigo japonés nos lo explique con su maravillosa música:

Sigamos viajando en el tiempo, puesto que el séptimo tema es, precisamente, “Time travel” (Viaje en el tiempo), con las habituales atmósferas musicales a las que nos tiene acostumbrado Kitaro:

Como véis, no abandona el camino que lleva recorriendo desde sus primeros discos, por lo que (como os he advertido más de una vez), os puede sonar a siempre lo mismo…

Y si en los dos cortes anteriores viajábamos en el tiempo, ahora nos vamos a reencarnar, puesto que “Reencarnation” es como se denomina el octavo tema instrumental del disco. Para verlo, ya sabéis dónde tenéis que clicar:

Enlazamos con el noveno y penúltimo tema, “Dawning” (Naciente), con el sonido de una especie de metrónomo que nos va marcando el paso rítmico y con la utilización, por vez primera, de un vocoder o sintetizador de voz,

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que hace que esta tonada de Kitaro deje de ser totalmente instrumental:

Finalizamos nuestro largo paseo por el segundo volúmen de la banda sonora del documental “Silk Road”, con uno de los mejores temas de la misma. Es el décimo y último del disco, para mí, el mejor con diferencia de los diez que lo componen. Se llama “Tienshan” y está dedicado a la cadena montañosa de Asia Central

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que aquí conocemos como las “Montañas Tian” ó “Tian Shan“, de unos 2.500 kilómetros de longitud aproximada.

Disfrutad de esta maravilla:

Nos vemos en la siguiente entrada…

Últimos conciertos del año 21 noviembre 2016

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Vamos a comentar un par de conciertos, antes de que se me eche el tiempo encima, que me han parecido la mar de interesantes…

En primer lugar, un vasco que toca la txalaparta (bueno, menuda novedad… pensaréis…), pero es que este músico es toda una institución, tanto es así que es capaz de tocarla sin tener txalaparta siquiera:

Juan Mari Beltrán es el más madurito de los cuatro “músicos” que armados de un par de botellas y media docena de vasos eran capaces de improvisar esta tonada cual si tocaran una txalaparta a ocho manos. Juan Mari es un musicólogo donostiarra que empezó tocando el txistu de joven para acabar dando clases de varios instrumentos tradicionales en la Escuela de Música de Hernani y darle una vuelta de tuerca a la música vasca.

Una vez, hace muchos años, fuí a verle al FNAC de plaza Catalunya, en una actuación que comenzaba a las doce de la mañana. Como fuí el primero en sentarme ante el escenario, me preguntaron que si era de algún medio de comunicación… Quizá ahora tendría que decirle que sí y le hubiera pedido una entrevista…

En esa ocasión, fue la primera vez que ví en directo a alguien que tocara la alboka, ese cuerno de vaca soplado al que se le pueden sacar sonidos tan potentes como los que váis a escuchar en “Hi, Zelta!” (¡Eh, tú, Celta!), en esta versión para orquesta y coro absolutamente magistral:

Podréis ver a Juan Mari en formación de trío, acompañado en el escenario por Ander Barrenetxea y Ane Arrege, presentando su último disco, “Host-Larretan”:

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en un espectáculo que han titulado como “Paseos por la música popular vasca”, si acudís al C.A.T. el próximo jueves 24 de noviembre a las 21.30 horas, dentro de la programación del ciclo “Euskal Herria Sona” que tiene lugar cada año por estas fechas en la ciudad de Barcelona.

Por otro lado, unos músicos gallegos también aterrizarán en la Ciudad Condal próximamente. Se trata del grupo “Radio Cos“:

Estos músicos poco ortodoxos son capaces de revolucionar un mercadillo con su folk remezclado con músicas del mundo. Aunque yo los acabo de descubrir, resulta que llevan ya nueve años recorriendo media Europa con sus ritmos que llevan aromas del Este, no en vano tiene en sus filas al Nikolai Velikov al violín. El resto de sus integrantes son Pedro Lamas, a la gaita y saxo; Xan Pampín, al acordeón; Xurxo Fernández y Quique Peón, estos dos últimos, las caras más visibles del quinteto, a las percusiones y a las voces.

Tanto ha llamado su música la atención, que colaboraron en el disco “Galiza” de mi querido Kepa Junkera. Aquí les vemos en directo:

Actuarán el domingo 18 de diciembre a las 19 horas, también en el C.A.T.

¡Que los disfrutéis!